Artista que joga Sugriva na forma de Koodiyattamdo teatro Sanskrit

Hannah Pritchard como Lady Macbeth e David Garrick como Macbeth no Teatro Real, Drury Lane em abril de 1768

A história do teatro mostra o desenvolvimento do teatro nos últimos 2.500 anos. Enquanto elementos performativos estão presentes em todas as sociedades, é costume reconhecer uma distinção entre teatro como forma de arte e entretenimento e elementos teatrais ou performativos em outras atividades. A história do teatro preocupa-se primeiramente com a origem e posterior desenvolvimento do teatro como atividade autônoma. Desde Atenas clássica no século VI aC, tradições vibrantes de teatro floresceram em culturas em todo o mundo. ^[1]

Origens 

O teatro surgiu provavelmente como uma realização de atividades rituais que não requeriam iniciação por parte do espectador. Esta semelhança do teatro primitivo com o ritual é negativamente comprovada por Aristóteles , que em sua poética definia o teatro em contraste com as performances dos mistérios sagrados : o teatro não exigia que o espectador jejuasse, bebesse o kykeon ou marchasse em procissão; Contudo o teatro se assemelhou aos mistérios sagrados no sentido de que trouxe purificação e cura ao espectador por meio de uma visão, o theama . O local físico de tais desempenhos foi nomeado assim theatron . ^[2]

De acordo com os historiadores Oscar Brockett e Franklin Hildy, rituais tipicamente incluem elementos que entreter ou dar prazer, como trajes e máscaras , bem como executores qualificados. À medida que as sociedades se tornavam mais complexas, esses elementos espetaculares começaram a ser agidos sob condições não-rituais.Enquanto isso acontecia, os primeiros passos para o teatro como atividade autônoma estavam sendo tomados. ^[3]

Teatro europeu 

Teatro grego 

O exemplo mais bem preservado de um teatro grego clássico, o Teatro de Epidauro , tem umaorquestra circular e provavelmente dá a melhor idéia da forma original do teatro ateniense , embora remonta ao século IV aC. ^[4]

O teatro grego, mais desenvolvido em Atenas , é a raiz da tradição ocidental; Teatro é na origem uma palavra grega. Era parte de uma mais ampla cultura de teatralidade e desempenho na Grécia clássica , que incluiu festas ,rituais religiosos , política , direito , atletismo e ginástica, música , poesia , casamentos, funerais e simpósios . ^{[5] A}participação nos muitos festivais da cidade-estado – ea participação na cidade Dionysia como um membro da audiência (ou mesmo como um participante nas produções teatrais) em particular – era uma parte importante dacidadania . ^[6] Participação cívica também envolveu a avaliação da retórica de oradores evidenciados em apresentações no tribunal de justiça ou assembléia política , os quais foram entendidos como análogo ao teatro e cada vez mais veio a absorver o seu vocabulário dramático. ^[7] O teatro da Grécia antiga consistia em três tipos dedrama : tragédia , comédia e a peça de sátiro . ^[8]

A tragédia ateniense – a mais antiga forma de sobrevivência da tragédia – é um tipo de dança- drama que formou uma parte importante da cultura teatral da cidade-estado. ^[9] Tendo surgido em algum momento durante o século VI aC, floresceu durante o século 5 aC (a partir do final do qual começou a se espalhar por todo o mundo grego) e continuou a ser popular até o início do período helenístico . ^[10] Nenhuma tragédia do 6o século e somente 32 dos mais de mil que foram executados dentro durante o 5o século sobreviveram. ^[11] Nós temos textos completosexistentes por Aeschylus , Sófocles e Eurípides . ^[12] As origens da tragédia permanecem obscuras, embora pelo 5o século fosse institucionalizado nas competições ( agon ) prendidas como parte das festividades que comemoram Dionysos (o deus do vinho e da fertilidade ). ^[13]Como concorrentes na competição da cidade Dionysia (o mais prestigioso dos festivais para drama), os dramaturgos eram obrigados a apresentar uma tetralogia de peças (embora as obras individuais não estavam necessariamente ligados por história ou tema), que geralmente consistia de Três tragédias e um jogo de sátiro. ^[14] O desempenho das tragédias na cidade Dionysia pode ter começado já em 534 aC; Os registros oficiais ( didaskaliai ) começam de 501 BC, quando o jogo do satyr foi introduzido. ^[15] A maioria das tragédias atenienses dramatiza eventos da mitologia grega , embora os persas – que encenam a resposta persa à notícia de sua derrota militar na batalha de Salamina em 480 aC – é a exceção notável no drama sobrevivente. ^[16] Quando Aeschylus ganhou o primeiro prêmio para ele na Cidade Dionísia em 472 aC, ele estava escrevendo tragédias há mais de 25 anos, mas seu tratamento trágico da história recente é o exemplo mais antigo de drama para sobreviver. ^[17]Mais de 130 anos depois, o filósofo Aristóteles analisou a tragédia ateniense do século V na mais antiga obra sobrevivente da teoria dramática – sua Poética (335 aC). A comédia ateniense é convencionalmente dividida em três períodos: “Old Comedy”, “Middle Comedy” e “New Comedy”. A antiga comédia sobrevive hoje em grande parte sob a forma das onze peças sobreviventes de Aristófanes , enquanto a comédia média é largamente perdida (preservada apenas em fragmentos relativamente curtos em autores como Athenaeus de Naucratis ). New Comedy é conhecido principalmente a partir dos fragmentos de papiro substancial de peças de Menander . Aristóteles definiu a comédia como uma representação de pessoas risíveis que envolve algum tipo de erro ou feiúra que não causa dor ou destruição. ^[18]

Teatro romano 

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O teatro ocidental se desenvolveu e expandiu consideravelmente sob os romanos . O historiador romano Livyescreveu que os romanos experimentaram primeiro teatro no século IV aC, com uma performance de atoresetruscos . ^[19] Beacham argumenta que os romanos tinham sido familiares com “práticas pré-teatrais” por algum tempo antes que o contato registrado. ^[20] O teatro da Roma antiga era uma forma de arte próspera e diversificada, variando de festival performances de teatro de rua , dança nua, e acrobacias, para a realização de Plautoamplamente atraentes situação de comédias , ao alto estilo , verbalmente elaborar Tragédias de Séneca . Apesar de Roma ter uma tradição nativa de desempenho, a helenização da cultura romana no século III aC teve um efeito profundo e energizante sobre o teatro romano e incentivou o desenvolvimento da literatura latina da mais altaqualidade para o palco.

Após a expansão da República Romana (509-27 aC) em vários territórios gregos entre 270-240 aC, Roma encontrou o drama grego . ^[21] Desde os últimos anos da república e por meio do Império Romano (27 aC-476 dC), o teatro se espalhou para o oeste pela Europa, pelo Mediterrâneo e chegou à Inglaterra; O teatro romano era mais variado, extenso e sofisticado do que qualquer cultura anterior. ^[22] Enquanto drama grego continuou a ser realizada durante todo o período romano, o ano 240 aC marca o início do drama romano regular. ^[23] Desde o início do império, entretanto, o interesse pelo drama de corpo inteiro diminuiu em favor de uma variedade mais ampla de entretenimentos teatrais. ^[24]

As primeiras obras importantes da literatura romana foram as tragédias e as comédias que Livius Andronicus escreveu a partir de 240 aC. ^[25] Cinco anos mais tarde,Gnaeus Naevius também começou a escrever drama. ^[25] Nenhum jogo de qualquer um dos escritores sobreviveu. Enquanto ambos os dramaturgos compostas em ambos os gêneros , Andronicus foi mais apreciado por suas tragédias e Naevius por suas comédias; Seus sucessores tendem a se especializar em um ou outro, o que levou a uma separação do desenvolvimento posterior de cada tipo de drama. ^[25] No começo do 2o século BC, o drama foi firmemente estabelecido em Roma e umaguilda dos escritores ( collegium poetarum ) tinha sido dada forma. ^[26]

As comédias romanas que sobreviveram são todas fabula palliata (comédias baseadas em assuntos gregos) e vêm de dois dramaturgos: Titus Maccius Plautus (Plauto) e Publio Terêncio Afer (Terence). ^[27] Em re-trabalhar os originais gregos, os dramaturgos cômicos romanos aboliu o papel do coro em dividir o drama em episódios e introduziu acompanhamento musical ao seu diálogo (entre um terço do diálogo nas comédias de Plauto e dois Terços na de Terence). ^[28] A ação de todas as cenas é definida no local exterior de uma rua e suas complicações muitas vezes resultam de espionagem . ^[28] Plauto, o mais popular dos dois, escreveu entre 205 e 184 aC e vinte de suas comédias sobrevivem, das quais suas farsas são mais conhecidas ; Ele foi admirado pelo espírito de seu diálogo e seu uso de uma variedade demedidores poéticos . ^[29] Todas as seis comédias que Terence escreveu entre 166 e 160 aC sobreviveram; A complexidade de suas parcelas, em que muitas vezes combinava vários originais gregos, foi às vezes denunciada, mas suas tramas duplas permitiram uma apresentação sofisticada do comportamento humano contrastante.^[29]

Nenhuma tragédia romana precoce sobrevive, embora fosse altamente considerada em seu dia; Historiadores sabem de três trágicos primitivos – Quintus Ennius ,Marcus Pacuvius e Lucius Accius . ^[28] Desde a época do império, o trabalho de dois tragedianos sobrevive – um é um autor desconhecido , enquanto o outro é o filósofo estóico Seneca . ^[30] Nove das tragédias de Séneca sobrevivem, todas as quais são fabula crepidata (tragédias adaptadas de originais gregos); Seu Phaedra , por exemplo, foi baseado no Hipólito de Eurípides . ^[31] Os historiadores não sabem quem escreveu a única existente exemplo do praetexta fabula (tragédias baseadas em temas romanos), Octavia , mas em outros tempos foi erroneamente atribuída a Seneca devido à sua aparência como um personagem na tragédia. ^[30]

Transição e teatro medieval adiantado, 500-1050 

Como o Império Romano ocidental caiu em decadência através dos séculos IV e V, a sede do poder romano mudou para Constantinopla eo Império Romano do Leste , hoje chamado o Império Bizantino . Embora as evidências sobreviventes sobre o teatro bizantino sejam leves, os registros existentes mostram que mímica , pantomima , cenas ou recitações de tragédias e comédias , danças e outros entretenimentos eram muito populares. Constantinopla tinha dois teatros que estavam em uso até o século V. ^[32] No entanto, a verdadeira importância dos bizantinos na história teatral é a preservação de muitos textos gregos clássicos ea compilação de uma encyclopedia maciça chamada Suda , a partir da qual é derivada uma grande quantidade de informações contemporâneas sobre o teatro grego.

A partir do século V, a Europa Ocidental foi mergulhada num período de desordem geral que durou (com um breve período de estabilidade sob o Império Carolíngio no século IX) até o século X. Como tal, a maioria das atividades teatrais organizadas desapareceu na Europa Ocidental . Embora pareça que pequenas bandas nômades viajaram por toda a Europa ao longo do período, realizando onde quer que pudessem encontrar uma audiência, não há evidência de que eles produziram nada além de cenas cruéis. ^[33] Esses artistas foram denunciados pela Igreja durante a Idade das Trevas , pois eram vistos como perigosos e pagãos.

Hrosvitha de Gandersheim, o primeiro dramaturgo da era pós-clássica.

Pela Alta Idade Média , igrejas na Europa começou a encenar versões dramatizadas de determinados eventos bíblicos em dias específicos do ano. Estas dramatizações foram incluídas a fim de vivificar as celebrações anuais. ^[34] objetos e ações simbólicos -paramentos , altares , incensários , e pantomima realizados por sacerdotes – recordou os acontecimentos que ritual cristão comemora. Estes foram extensos conjuntos de sinais visuais que poderiam ser usados ​​para se comunicar com um público amplamente analfabeto. Estes desempenhos tornaram- se dramas liturgical , o mais adiantado de que é o Tropo de Easter deQuem-Quaeritis (Who-Quaeritis) , datando de ca. 925. ^[34] O drama litúrgico foi cantado responsivamente por dois grupos e não envolveu atores personificando personagens. No entanto, em algum momento entre 965 e 975, Æthelwold de Winchester compôs oRegularis Concordia (Acordo Monástico), que contém um playlet completo com instruções de desempenho. ^[35]

Hrosvitha (c. 935 – 973), uma canonese no norte da Alemanha , escreveu seis peças modeladas nas comédias de Terence , mas usando temas religiosos. Estas seis peças – Abraão, Calímaco, Dulcicio, Gallicanus, Paphnutius e Sapientia – são as primeiraspeças conhecidas compostas por uma dramaturga feminina e as primeiras obras dramáticas ocidentais identificáveis ​​da era pós-clássica. ^[35] Foram publicadas primeiramente em 1501 e tiveram a influência considerável em jogos religiosos e didácticos do décimo sexto século. Hrosvitha foi seguido por Hildegard de Bingen (d. 1179), uma abadessa beneditina , que escreveu um dramamusical latino chamado Ordo Virtutum em 1155.

Alto e tardio teatro medieval, 1050-1500 

Desenho de estágio da moral vernácula do século15 jogar The Castle of Perseverance (comoencontrado no Macro Manuscrito ).

Quando as invasões vikings cessaram em meados do século XI, o drama litúrgico se espalhou da Rússia para aEscandinávia para a Itália . Somente na Espanha ocupada pelos muçulmanos havia dramas litúrgicos que não eram apresentados. Apesar do grande número de dramas litúrgicos que sobreviveram do período, muitas igrejas teriam executado apenas um ou dois por ano e um número maior nunca realizou nenhuma. ^[36]

A festa dos tolos foi especialmente importante no desenvolvimento da comédia. O festival inverteu o status do clero menor e permitiu-lhes ridicularizar seus superiores ea rotina da vida da igreja. Às vezes as peças foram encenadas como parte da ocasião e uma certa quantidade de burlesque e comédia se arrastaram para estas performances.Embora os episódios cômicos tiveram de esperar verdadeiramente até a separação do drama da liturgia, a Festa dos Loucos teve, sem dúvida, um profundo efeito no desenvolvimento da comédia, tanto em peças religiosas como seculares. ^[37]

O desempenho de peças religiosas fora da igreja começou em algum momento no século XII através de um processo tradicionalmente aceito de fundir dramas litúrgicos mais curtos em peças mais longas que foram então traduzidas para o vernáculo e executadas por leigos. O Mistério de Adão (1150) dá credibilidade a esta teoria como sua direção de fase detalhada sugerem que foi encenado ao ar livre. Várias outras peças do período sobrevivem, incluindo La Seinte Resurrection ( Norman ), The Play of the Magi Kings ( espanhol ) e Sponsus ( francês ).

A importância das Alta Idade Média no desenvolvimento do teatro foi os econômicos e políticos mudanças que levaram à formação de alianças eo crescimento das cidades. Isso levaria a mudanças significativas no final da Idade Média . Nas Ilhas Britânicas, as peças foram produzidas em 127 cidades diferentes durante a Idade Média.Estas peças de mistério vernáculo foram escritas em ciclos de um grande número de peças: York (48 peças),Chester (24), Wakefield (32) e Unknown (42). Um número maior de peças de teatro sobreviveu da França e daAlemanha neste período e alguns tipos de dramas religiosos foram realizados em quase todos os países europeus na Alta Idade Média . Muitas dessas peças continham comédia , demônios , vilões e palhaços . ^[38]

A maioria dos atores nessas peças foram extraídas da população local. Por exemplo, em Valenciennes em 1547, mais de 100 papéis foram atribuídos a 72 atores. ^{[39] Os}jogos foram encenados em etapas do vagão do pageant , que eram plataformas montadas nas rodas usadas mover o cenário. Muitas vezes oferecendo seus próprios trajes, os atores amadores na Inglaterra eram exclusivamente masculinos, mas outros países tinham artistas femininos. O estágio da plataforma, que era um espaço não identificado e não um local específico, permitiu mudanças abruptas na localização.

Jogos de moralidade surgiu como uma forma dramática distinta por volta de 1400 e floresceu até 1550. O jogo de moralidade mais interessante é O Castelo de perseverança que retrata a humanidade progresso ‘s do nascimento à morte. No entanto, o jogo de moralidade mais famoso e talvez o drama medieval mais conhecido é Everyman . Todo homem recebe o chamado da Morte , luta para escapar e finalmente se resigna à necessidade. Ao longo do caminho, ele é abandonado por Kindred ,Mercadorias e Fellowship – apenas boas ações vai com ele para o túmulo.

Houve também uma série de performances seculares encenadas na Idade Média, o mais antigo dos quais é The Play of the Greenwood por Adam de la Halle em 1276. Ele contém cenas satíricas e material folk como fadas e outras ocorrências sobrenaturais. Farces também aumentou drasticamente em popularidade após o século XIII.A maioria destas peças vem da França e da Alemanha e são semelhantes em tom e forma, enfatizando sexo e excreções corporais. ^[40] O dramaturgo mais conhecido de farsas é Hans Sachs (1494-1576), que escreveu 198 obras dramáticas. Na Inglaterra , The Second Shepherds ‘Play do ciclo Wakefield é a farsa mais conhecidainício. No entanto, a farsa não apareceu independentemente na Inglaterra até o século 16 com o trabalho de John Heywood (1497-1580).

Um precursor significativo do desenvolvimento do drama isabelino foi as Câmaras de Retórica nos Países Baixos . ^[41] Essas sociedades estavam preocupadas compoesia , música e drama e realizaram concursos para ver qual sociedade poderia compor o melhor drama em relação a uma questão colocada.

No final da Baixa Idade Média , atores profissionais começaram a aparecer na Inglaterra e Europa . Richard III e Henrique VII mantiveram pequenas empresas de atores profissionais. Suas peças foram realizadas no Grande Salão de residência de um nobre, muitas vezes com uma plataforma levantada em uma extremidade para o público e uma “tela” no outro para os atores. Também foram importantes peças Mummers’ , realizados durante o Natal temporada e quadra de máscaras . Estes masques foram especialmente populares durante o reinado de Henrique VIII que teve uma Casa de Revels construída e um Escritório de Revels estabelecido em 1545.^[42]

O fim do drama medieval surgiu devido a uma série de fatores, incluindo o enfraquecimento do poder da Igreja Católica , a Reforma Protestante ea proibição de peças religiosas em muitos países. Elizabeth eu proíbo todos os jogos religiosos em 1558 e os jogos grandes do ciclo tinham sido silenciados por o 1580s. Da mesma forma, os jogos religiosos foram proibidos nos Países Baixos em 1539, nos Estados Pontifícios em 1547 e em Paris em 1548. O abandono dessas peças destruíram o teatro internacional que existia e forçaram cada país a desenvolver sua própria forma de drama. Permitiu também que os dramaturgos se voltassem para assuntos seculares e que o renovado interesse no teatro grego e romano lhes proporcionasse a oportunidade perfeita. ^[42]

Commedia dell’arte & Renaissance 

As bandas da Commedia dell’arte realizaram peças de improvisação animadas em toda a Europa durante séculos. Originou-se na Itália na década de 1560. Commedia dell’arte era um teatro ator-centrado, exigindo pouco cenário e muito poucos adereços. Os jogos não se originaram do drama escrito, mas de cenários chamados lazzi , que eram estruturas frouxas que proporcionavam as situações, complicações e resultados da ação, em torno dos quais os atores iriam improvisar. As peças usavam personagens em estoque , que podiam ser divididos em três grupos: os amantes, os mestres e os criados. Os amantes tinham nomes e características diferentes na maioria das peças e muitas vezes eram os filhos do mestre. O papel de mestre era normalmente baseado em um dos três estereótipos: Pantalone , um comerciante veneziano idoso;Dottore , amigo ou rival de Pantalone, um pedante médico ou advogado que agia muito mais inteligente do que realmente era; E Capitano , que uma vez foi um personagem amante, mas evoluiu para um fanfarrão que se vangloriou de suas façanhas no amor e na guerra, mas foi muitas vezes terrifically não qualificados em ambos. Ele normalmente carregava uma espada e usava uma capa e um cocar de penas. O personagem servo (chamado zanni ) tinha apenas um papel recorrente : Arlecchino (também chamado Arlequim ). Ele era esperto e ignorante, mas um excelente dançarino e acrobata. Normalmente ele carregava uma vara de madeira com uma fenda no meio assim que fez um barulho alto quando golpear alguma coisa. Esta “arma” nos deu o termo ” palhaçada “.

Um grupo tipicamente consistia de 13 a 14 membros. A maioria dos atores foi paga ao tomar uma parcela dos lucros da peça equivalente ao tamanho de seu papel. O estilo de teatro estava em seu pico de 1575 a 1650, mas mesmo depois desse tempo novos cenários foram escritos e executados. O dramaturgo veneziano Carlo Goldoni escreveu alguns cenários a partir de 1734, mas como ele considerava o gênero muito vulgar, ele refinou os temas de sua autoria para ser mais sofisticado. Ele também escreveu várias peças baseadas em eventos reais, nas quais ele incluiu personagenscommedia .

Inglês Elizabethan theater 

Um esboço de 1596 de um desempenho em andamento noestágio de impulso de The Swan , um típico teatro isabelino de telhado aberto.

O teatro do renascimento derivou de diversas tradições do teatro medieval, tais como, os jogos do mistério que fizeram uma parte de festivais religiosos em Inglaterra e em outras partes de Europa durante a Idade Média. Outras fontes incluem as ” peças de moral ” eo “drama da Universidade” que tentou recriar a tragédia ateniense. A tradição italiana de Commedia dell’arte , bem como os elaborados máscaras freqüentemente apresentado no tribunal, também contribuiu para a formação de teatro público.

Desde antes do reinado de Elizabeth I, empresas de jogadores estavam ligadas a casas de aristocratas líderes e realizadas sazonalmente em vários locais. Estes se tornaram a base para os jogadores profissionais que realizaram no estágio Elizabethan. Os passeios desses jogadores substituíram gradualmente os desempenhos do mistério e os jogos da moral por jogadores locais, e uma lei 1572 eliminou as companhias restantes que faltam o patronage formal rotulando os vagabonds .

As autoridades da cidade de Londres eram geralmente hostis a apresentações públicas, mas sua hostilidade era superada pelo gosto da rainha por peças e pelo apoio do Conselho Privado. Teatros surgiram nos subúrbios, especialmente na liberdade de Southwark, acessível através do Tâmisa para moradores da cidade, mas além do controle da autoridade. As empresas mantinham a pretensão de que suas apresentações públicas eram meros ensaios para as freqüentes apresentações diante da Rainha, mas enquanto as segundas concediam prestígio, as primeiras eram a verdadeira fonte de renda para os jogadores profissionais.

Junto com a economia da profissão, o caráter do drama mudou para o fim do período. Sob Elizabeth, o drama era uma expressão unificada no que diz respeito à classe social: a Corte assistiu às mesmas peças que os plebeus viram nos teatros públicos. Com o desenvolvimento dos teatros privados, o drama tornou-se mais orientado para os gostos e valores de um público de classe alta. Na parte final do reinado de Carlos I, poucas peças novas estavam sendo escritas para os teatros públicos, que se sustentavam nas obras acumuladas das décadas anteriores. ^[43]

A oposição puritana ao palco (informada pelos argumentos dos primeiros Padres da Igreja que haviam redigido contra os rituais violentos e violentos dos romanos) argumentava não só que o palco em geral era pagão , mas que qualquer peça que representava uma figura religiosa era Inerentemente idólatra . Em 1642, no outbreak da guerra civil inglesa , as autoridades Protestant proibiram a execução de todos os jogos dentro dos limites de cidade de Londres. Um assalto arrebatador contra as imoralidades alegadas do teatro esmagou tudo o que permaneceu na Inglaterra da tradição dramática.

Teatro dourado dourado da idade 

Calderón de la Barca, figura-chave do teatro da Época de Ouro espanhola

Durante a Idade de Ouro , aproximadamente 1590-1681, ^[44] Espanha viu um aumento monumental na produção de viver de teatro, bem como a importância do teatro na sociedade espanhola. Foi uma forma de arte acessível para todos os participantes da Renascença Espanha, sendo ambos altamente patrocinado pela classe aristocrática e altamente atendido pelas classes mais baixas. ^[45] O volume e variedade de peças espanholas durante a Idade de Ouro foi sem precedentes na história do teatro mundial, superando, por exemplo, a produção dramática do Renascimento Inglês por um factor de pelo menos quatro. ^{[44] [45] [46]} Embora este volume tem sido tanto uma fonte de críticas como elogios para teatro espanhol Golden Age, para enfatizar quantidade antes de qualidade, ^[47] um grande número dos 10.000 ^[45] a 30.000 ^{[47 ]} Peças deste período ainda são consideradas obras-primas.^{[48] [49]}

Principais artistas do período incluído Lope de Vega , um contemporâneo de Shakespeare, muitas vezes, e contemporaneamente, visto o seu paralelo para a etapa espanhola, ^[50] e Calderón de la Barca , inventor da zarzuela ^[51] e sucessor de Lope como o preeminente Dramaturgo espanhol. ^[52] Gil Vicente , Lope de Rueda , e Juan del Encina ajudou a estabelecer as fundações de teatro espanhol em meados do século XVI, ^{[53] [54] [55]} , enquanto Francisco de Rojas Zorrilla e Tirso de Molina fez contribuições significativas Na segunda metade da Idade de Ouro. ^{[56] [57]} Artistas importantes incluíram Lope de Rueda (anteriormente mencionado entre os dramaturgos) e mais tarde Juan Rana . ^{[58] [59]}

As fontes de influência para o teatro nacional emergente de Espanha foram tão diversas como o teatro que a nação acabou produzindo. As tradições históricas originárias da italiana Commedia dell’arte ^[60] e a expressão exclusivamente espanhola dos entretenimentos de minstrel itinerante da Europa Ocidental ^{[61] [62]} contribuíram para uma influência populista nas narrativas e na música, respectivamente, do teatro espanhol primitivo. A crítica neo-aristotélica e os dramas litúrgicos, por outro lado, contribuíram com perspectivas literárias e moralistas. ^{[63] [64]} Por sua vez, espanhol Golden Age teatro tem dramaticamente influenciado o teatro de gerações posteriores na Europa e em todo o mundo. O drama espanhol teve um impacto imediato e significativo nos desenvolvimentos contemporâneos no teatro inglês do renascimento . ^[48] Também teve um impacto duradouro no teatro em todo o mundo de língua espanhola. ^[65] Além disso, um número crescente de obras estão sendo traduzidas, aumentando o alcance do teatro espanhol Golden Age e fortalecendo sua reputação entre os críticos e patronos de teatro. ^[66]

Teatro barroco francês

Dramatérios notáveis:

• Pierre Corneille (1606-84)
• Molière (1622-73)
• Jean Racine (1639-99)

Restauração comédia 

Artigo principal : comédia da restauração

Depois que os desempenhos públicos do estágio tinham sido proibidos por 18 anos pelo regime puritano, a reabertura dos teatros em 1660 sinalizou um renascimento do drama inglês. Com a restauração do monarca em 1660 veio a restauração ea reabertura do teatro. As comédias inglesas escritas e executadas no período da restauração de 1660 a 1710 são collectively chamadas “comédia da restauração”. Comédia da restauração é notório por sua sexual explicitação, uma qualidade encorajados por Charles II (1660-1685), pessoalmente e pela rakish aristocrática ethos de sua corte . Neste ponto da história, as mulheres eram permitidas a peça as partes de mulheres e não homens como era o caso. As audiências socialmente diversas incluíram aristocratas, seus empregados e ganchos-em, e um segmento substancial da classe média. As audiências da restauração gostaram de ver o bom triunfo em suas tragédias eo governo legítimo restaurado. Na comédia, eles gostavam de ver as vidas amorosas dos jovens e da moda, com um casal central trazendo o namoro para uma conclusão bem-sucedida (muitas vezes superando a oposição dos mais velhos para fazê-lo). As heroínas tinham que ser castas, mas eram independentes e francas;Agora que eram jogados pelas mulheres, havia mais milhagem para o dramaturgo em disfarçá-los na roupa dos homens ou em dar-lhes a fuga estreita da violação. Esses atores foram atraídos para as comédias por uma escrita tópica atualizada, porparcelas lotadas e movimentadas, pela introdução das primeiras atrizes profissionais e pelo surgimento dos primeiros atores de celebridades. Para as pessoas que não frequentavam o teatro, essas comédias eram amplamente consideradas como licenciosas e moralmente suspeitas, levando a admiração as palhaçadas de uma classe pequena, privilegiada e decadente. Esta mesma classe dominou o público do teatro da Restauração. Este período viu a primeira mulher dramaturgo profissional, Aphra Behn .

Como uma reação à decadência das produções da era de Charles II, a comédia sentimental cresceu na popularidade. Este gênero se concentrava em incentivar o comportamento virtuoso ao mostrar aos personagens da classe média a superação de uma série de julgamentos morais. Os dramaturgos como Colley Cibber e Richard Steele acreditavam que os seres humanos eram inerentemente bons, mas capazes de serem desviados. Através de peças como The Conscious Lovers e Love’s Last Shift, eles se esforçaram para apelar aos nobres sentimentos de uma audiência para que os espectadores pudessem ser reformados. ^{[67] [68]}

Restauração espectacular 

A Restauração espectacular , ou elaboradamente encenada “jogo máquina”, bateu o London cena pública no final do século 17- Restauração período, apaixonante audiências com ação, música, dança, móvel cenário , pintura ilusionista barroca , figurinos deslumbrantes e efeitos especiais tais como Trapdoor truques, “flying” atores e fogos de artifício . Esses shows sempre tiveram uma má reputação como uma ameaça vulgar e comercial para o espirituoso, “legítimo” drama Restauração ;Entretanto, atraíram londrinos em números sem precedentes e os deixaram deslumbrados e deleitados.

Basicamente home-grown e com raízes no início do século 17- tribunal masque , apesar de nunca vergonha de pedir ideias e tecnologia palco de ópera francesa , os espetáculos são às vezes chamado de “ópera Inglês”. No entanto, a variedade deles é tão desarrumado que a maioria dos historiadores de teatro desespero de defini-los como um gênero em tudo. ^[69] Apenas um punhado de obras deste período são geralmente concedido o termo “ópera”, como a dimensão musical da maioria deles está subordinada ao visual. Foi um espetáculo e um cenário que atraíram as multidões, como mostram muitos comentários no diário do amante do teatro Samuel Pepys. ^[70] O custo de montagem já produções cênicas mais elaboradas dirigiu as duas companhias de teatro que competem em uma perigosa espiral de despesa enorme e prejuízos correspondentemente enormes ou lucros. Um fiasco como John Dryden ‘s Albion e Albanius deixaria uma empresa em dívida séria, enquanto blockbusters como Thomas Shadwell da psique ou de Dryden Rei Arthur iria colocá-lo confortavelmente no preto por um longo tempo. ^[71]

Teatro neoclássico

Mais informações: Neoclassicism

O neoclassicismo foi a forma dominante de teatro no século XVIII. Exigia decoro e rigorosa adesão às unidades clássicas .Teatro neoclássico, bem como o período de tempo é caracterizado por sua grandiosidade. Os figurinos e cenários eram intrincados e elaborados. A atuação é caracterizada por grandes gestos e melodrama. O teatro neoclássico abrange a Restauração, Augustan, e as idades de Johnstinian. Num certo sentido, a idade neoclássica segue diretamente o tempo do Renascimento.

Teatros do início do século XVIII – farsas sexuais da Restauração foram substituídos por comédias politicamente satíricas, 1737 o Parlamento aprovou a Lei de Licenciamento Stage que introduziu censura estadual de performances públicas e limitou o número de teatros em Londres para dois.

Teatro do século XIX 

O teatro no século XIX é dividido em duas partes: cedo e tarde. O período inicial foi dominado pelo melodrama e pelo Romantismo .

Começando na França , o melodrama tornou-se a forma teatral mais popular. August von Kotzebue ‘s Misanthropy e arrependimento (1789) é muitas vezes considerada a primeira peça melodramática. As peças de Kotzebue e René Charles Guilbert de Pixérécourt estabeleceu o melodrama como a forma dramática dominante do início do século XIX. ^[72]

Na Alemanha , houve uma tendência de precisão histórica em trajes e configurações , uma revolução na arquitectura teatro, bem como a introdução da forma teatral doromantismo alemão . Influenciados por tendências na filosofia do século 19 e as artes visuais , escritores alemães eram cada vez mais fascinado com sua Teutonicpassado e teve um crescente sentimento de nacionalismo . As peças de Gotthold Ephraim Lessing , Johann Wolfgang von Goethe , Friedrich Schiller e outrosdramaturgos Sturm und Drang , inspiraram uma crescente fé no sentimento e no instinto como guias para o comportamento moral.

Edward Bulwer-Lytton .

Na Grã-Bretanha , Percy Bysshe Shelley e Lord Byron foram os dramaturgos mais importantes de seu tempo (embora as peças de Shelley não foram realizadas até mais tarde no século). Nos pequenos teatros, Burletta e melodrama eram os mais populares. Peças de Kotzebue foram traduzidos para o Inglês e Thomas Holcroft ‘s A Tale of Mystery foi o primeiro de muitos melodramas Inglês. Pierce Egan, Douglas William Jerrold , Edward Fitzball e John Baldwin Buckstone iniciaram uma tendência para histórias mais contemporâneas e rurais, em preferência aos habituais melodramas históricos ou fantásticos. James Sheridan Knowles e Edward Bulwer-Lyttonestabeleceram um drama “cavalheiresco” que começou a restabelecer o antigo prestígio do teatro com a aristocracia . ^[73]

O período posterior do século 19 viu o surgimento de dois tipos conflitantes de drama: o realismo eo não-realismo, como o simbolismo e os precursores do expressionismo .

Realismo começou no início do século 19 na Rússia do que em qualquer outro lugar na Europa e assumiu uma forma mais intransigente.^[74] Começando com as peças de Ivan Turgenev (que usou “detalhe doméstico para revelar agitação interna”), Aleksandr Ostrovsky (que foi o primeiro dramaturgo profissional da Rússia), Aleksey Pisemsky (cujo um destino Bitter (1859) antecipou Naturalismo ), e Leo Tolstoy(cuja The Power of Darkness (1886) é “um dos mais eficaz de peças naturalistas”), uma tradição de realismo psicológico na Rússia culminou com a criação do Teatro de Arte de Moscou por Konstantin Stanislavski e Vladimir Nemirovich-Danchenko . ^[75]

A força teatral mais importante na Alemanha do final do século XIX foi a de Georg II, Duque de Saxe-Meiningen e seu Meiningen Ensemble , sob a direção de Ludwig Chronegk . As produções do Ensemble são muitas vezes consideradas as mais exatas historicamente do século XIX, embora seu objetivo principal fosse servir os interesses do dramaturgo. O Meiningen Ensemble está no início do novo movimento em direção à produção unificada (ou o que Richard Wagner chamaria deGesamtkunstwerk ) e a ascensão do diretor (às custas do ator ) como artista dominante na produção teatral. ^[76]

Teatro do festival de Bayreuth deRichard Wagner .

Naturalismo , um movimento teatral nascido de Charles Darwin ‘s A Origem das Espécies (1859) e as condições políticas e econômicas contemporâneas, encontrou o seu principal proponente em Émile Zola . A realização das idéias de Zola foi dificultada pela falta de dramaturgos capazes de escrever drama naturalista. André Antoine surgiu na década de 1880 com seuThéâtre Libre que só estava aberto a membros e, portanto, estava isento de censura. Ele rapidamente ganhou a aprovação de Zola e começou a encenar obras Naturalistic e outras peças estrangeiras realistas. ^[77]

Henrik Ibsen , o “pai” do dramarealista e moderno ^{[ citação necessário ]} .

Na Grã-Bretanha, melodramas, comédias leves, óperas, Shakespeare e drama inglês clássico, burlesco vitoriano , pantomimas , traduções de farsas francesas e, a partir da década de 1860, operetas francesas, continuaram a ser populares. Tão bem sucedidas foram as óperas cômicas de Gilbert e Sullivan , como HMS Pinafore (1878) e The Mikado (1885), que expandiram enormemente a audiência para o teatro musical. ^[78] Isto, juntamente com muita iluminação pública melhorada e transporte em Londres e Nova York levou a um boom de construção do teatro vitoriano e Edwardian no final do West End e na Broadway. Mais tarde, o trabalho de Henry Arthur Jones e Arthur Wing Pinero iniciou uma nova direção no palco Inglês. Enquanto seu trabalho pavimentou o caminho, o desenvolvimento de drama mais significativo deve-se mais ao dramaturgo Henrik Ibsen .

Ibsen nasceu na Noruega em 1828. Escreveu vinte e cinco peças, das quais a mais famosa é Uma Casa de Boneca (1879),Fantasmas (1881), O Pato Selvagem (1884) e Hedda Gabler (1890). Além disso, suas obras Rosmersholm (1886) e When We Dead Awaken (1899) evocam um senso de forças misteriosas no trabalho no destino humano, que deveria ser um temaimportante do simbolismo eo chamado ” Teatro do Absurdo “. ^{[ Citação necessário ]}

Após Ibsen, o teatro britânico experimentou a revitalização com o trabalho de George Bernard Shaw , de Oscar Wilde , de John Galsworthy , de William Butler Yeats e deHarley Granville Barker . Ao contrário da maioria do trabalho sombrio e intensamente sério de seus contemporâneos, Shaw e Wilde escreveram primeiramente na forma cômica . As comédias musicais de Edwardian eram extremamente populares, apelando aos gostos da classe média nos anos 90 alegres ^[79] e à restauração à preferência do público para o entertainment escapista durante a Primeira Guerra Mundial.

Teatro do século XX 

Veja também: Teatro do século XX , Cronologia do teatro do século XX e Teatro musical

Enquanto muito teatro do século XX continuou e estendeu os projetos de realismo e naturalismo , houve também uma grande quantidade de teatro experimental que rejeitou essas convenções. Estas experiências fazem parte dos movimentos modernistas e pós- modernistas e incluíram formas de teatro político , bem como um trabalho mais orientado estética. Exemplos incluem: Teatro épico , Teatro da Crueldade , eo chamado ” Teatro do Absurdo “.

O termo teatro praticante veio a ser usado para descrever alguém que tanto cria performances teatrais e que produz um discurso teórico que informa o seu trabalho prático. ^[80] Um praticante de teatro pode ser um diretor , um dramaturgo , um ator ou – caracteristicamente – muitas vezes uma combinação desses papéis tradicionalmente separados. “Prática teatral” descreve o trabalho coletivo que vários praticantes de teatro fazem. ^[81] Ele é usado para descrever teatro práxis deKonstantin Stanislavski ‘desenvolvimento de sua s’ sistema ‘, através de Vsevolod Meyerhold de biomecânica , Bertolt Brecht ‘s épica e Jerzy Grotowski ‘ s teatro pobre , até os dias atuais, com contemporânea profissionais de teatro, incluindo Augusto Boal com seu teatro do Oprimido , Dario Fo ‘s teatro popular , Eugenio Barba ‘ santropologia teatral e Anne Bogart ‘s pontos de vista . ^[82]

Outras figuras-chave do teatro do século XX são: Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Chekhov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca ,Eugene O’Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Gertrude Stein , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Heiner Müller e Caryl Churchill .

Uma série de movimentos estéticos continuou ou surgiu no século 20, incluindo:

• Naturalismo
• Realismo
• Dadaísmo
• Expressionismo
• O Surrealismo eo Teatro da Crueldade
• Teatro do Absurdo
• Postmodernismo
• Agitprop

Depois da grande popularidade das comédias musicais britânicas , o teatro musical americano passou a dominar o palco musical, começando com os musicais doPrincess Theatre , seguidos pelas obras dos irmãos Gershwin, Cole Porter , Jerome Kern , Rodgers e Hart , e mais tarde Rodgers e Hammerstein .

Teatro africano (incluindo o afro-americano) 

Eventos quasi-theatrical egípcios antigos 

O primeiro evento quase-teatral gravado data de 2000 aC com os ” jogos de paixão ” do Egito Antigo . A história do deus Osiris foi realizada anualmente em festivais em toda a civilização. ^[83]

Teatro ganês 

O teatro moderno em Ghana emergiu no início do século XX. ^[84] Surgiu primeiro como comentário literário sobre a colonização da África pela Europa. ^[84] Entre osprimeiros trabalhos em que isso pode ser visto é The Blinkards escrito por Kobina Sekyi em 1915. O Blinkards é uma sátira flagrante sobre os africanos que abraçaram a cultura europeia que foi trazido para eles. Nela, Sekyi degrada três grupos de indivíduos: qualquer pessoa europeia, qualquer pessoa que imita os europeus eo rico fazendeiro africano de cacau. Esta rebelião súbita, porém, foi apenas a centelha de início do teatro literário ghanês. ^[84]

Um jogo que tem similaridade em sua visão satírica é Anowa . Escrito pela escritora ganesa Ama Ata Aidoo , começa com sua homônima heroína Anowa rejeitando suas propostas de casamento de muitos pretendentes arranjados. Ela insiste em tomar suas próprias decisões sobre a quem ela vai se casar. A peça enfatiza a necessidade de igualdade de gênero e respeito pelas mulheres. ^[84] Este ideal de independência, bem como a igualdade leva Anowa por um caminho sinuoso de felicidade e miséria.Anowa escolhe um homem para casar. Anowa apóia seu marido Kofi tanto física quanto emocionalmente. Através de seu apoio, Kofi prospera em riqueza, mas torna-se pobre como um ser espiritual. Através de sua acumulação de riqueza Kofi perde-se nele. Seu casamento, uma vez feliz com Anowa torna-se alterado quando ele começa a contratar escravos, em vez de fazer qualquer trabalho próprio. Isto a Anowa não faz o sentido porque faz Kofi não melhor do que os colonos europeus quem detests para a maneira que sente ela usou os povos de África. Seu casamento é sem filhos, o que é presumido ter sido causado por um ritual que Kofi tem feito o comércio de sua masculinidade para a riqueza. Anowa está vendo a riqueza e a incapacidade de escravo de Kofi de ter um filho, levando-a a cometer suicídio. ^[84] O nome Anowa significa “força moral superior”, enquanto Kofi significa apenas “Nascido na sexta-feira”. Essa diferença, mesmo na base de seus nomes, parece implicar a superioridade moral das mulheres em uma sociedade masculina. ^[84]

Outro jogo de significado é O Casamento de Anansewa , escrito em 1975 por Efua Sutherland . O jogo inteiro é baseado em uma tradição oral Akan chamadaAnansesem (contos populares ). O personagem principal da peça é Ananse (a aranha). As qualidades de Ananse são uma das partes mais prevalentes da peça. Ananse é astuto, egoísta, tem uma grande visão da natureza humana e animal, é ambicioso, eloqüente e engenhoso. Ao colocar muito de si mesmo em tudo o que faz Ananse arruína cada um de seus esquemas e acaba pobre. ^[84] Ananse é usado no jogo como uma espécie de Everyman. Ele é escrito em um sentido exagerado, a fim de forçar o processo de auto-exame. Ananse é usado como uma maneira de desencadear uma conversa para a mudança na sociedade de qualquer pessoa lendo. A peça conta que Ananse tentou casar sua filha Anansewa com qualquer um de uma seleção de chefes ricos, ou outro tipo de rico pretendente simultaneamente, a fim de arrecadar dinheiro. Eventualmente todos os pretendentes vêm a sua casa imediatamente, e tem que usar toda sua astúcia para desarmar a situação. ^[84] O narrador não só narra, mas também decreta, reage e comenta a ação do conto. Junto com isso, Mbuguous é usado, Mbuguous é o nome dado a seita muito especializada de técnica de teatro ganês que permite a participação do público. Os Mbuguous deste conto são canções que embelezam o conto ou comentam sobre ele. Espontaneidade através desta técnica, bem como improvisação são usados ​​o suficiente para atender a qualquer padrão de teatro moderno. ^[84]

Yoruba teatro 

Em seu estudo pioneiro do teatro Yoruba , Joel Adedeji rastreou suas origens para a mascarada do Egungun (o “culto do antepassado “). ^[85] A tradicional cerimôniaculmina com a essência do mascarada quando se considerar que os ancestrais voltar ao mundo dos vivos para visitar seus descendentes. ^[86] Além de sua origem no ritual, o teatro iorubá pode ser “rastreado à natureza ‘theatrogenic’ de um número de deidades no panteão de Yoruba , como Obatala a divindade do arco, Ogun a divindade da criatividade, assim como O ferro ea tecnologia ^[87] e Sango a divindade da tempestade “, cuja reverência está imbuída” de drama e teatro e a relevância simbólica global em termos de sua interpretação relativa “. ^[88]

A tradição teatral Aláàrìnjó surgiu da mascarada Egungun, de oyo Igboho por volta do século XVI. O Aláàrìnjó era um grupo de artistas itinerantes cujas formas mascaradas carregavam um ar de mística. Eles criaram cenas curtas e satíricas que se baseavam em vários personagens estereotipados. Suas performances utilizavammímica , música e acrobacias . A tradição de Aláàrìnjó influenciou o popular teatro itinerante, que foi a forma mais prevalente e altamente desenvolvida de teatro naNigéria entre os anos 1950 e 1980. Na década de 1990, o popular teatro itinerante se mudou para a televisão e cinema e agora dá performances ao vivo raramente. ^[89]

O “teatro total” também se desenvolveu na Nigéria nos anos 50. Utilizou técnicas não-naturalistas, imagens físicas surrealistas , e exerceu um uso flexível da linguagem.Os dramaturgos que escreveram em meados da década de 1970 fizeram uso de algumas dessas técnicas, mas articularam-nas com “uma apreciação radical dos problemas da sociedade”. ^[90]

Modos de desempenho tradicionais têm fortemente influenciado as principais figuras no teatro nigeriano contemporâneo. O trabalho de Hubert Ogunde (às vezes referido como o “pai do teatro Yoruban contemporâneo”) foi informado pela tradição Aláàrìnjó e mascaradas Egungun. ^[91] Wole Soyinka , que é “geralmente reconhecido como o maior dramaturgo vivo da África”, dá a divindade Ogun um complexo metafísica significado em seu trabalho. ^[92] Em seu ensaio “The Fourth Stage” (1973), ^[93]Soyinka contrasta drama de Yoruba com o drama ateniense clássica , tanto em matéria de filósofo alemão do século 19 Friedrich Nietzsche análise deste último está emO nascimento da tragédia ( 1872). Ogun, ele argumenta, é “uma totalidade das virtudes dionisíacas, apolíacas e prometheanas “. ^[94] Hubert Ogunde também deve ser elogiado por sua verdadeira paixão para o tipo de teatro Africano que mantém formas precisas tradicionais africanos do sistema de crenças, valores comuns, folclore do povo.

Os poucos defensores do popular teatro itinerante na Nigéria incluem Duro Ladipo e Moisés Olaiya (um ato cômico popular). Esses praticantes contribuíram muito para o lançamento do teatro africano durante o período de mistura e experimentação dos indígenas com o teatro ocidental.

A história do teatro afro-americano tem uma dupla origem. O primeiro é enraizado no teatro local onde Africano americanos realizados em cabines e parques. Suas performances (contos populares, canções, música e dança) estavam enraizadas na cultura africana antes de serem influenciadas pelo ambiente americano. O teatro africano do bosque foi o primeiro teatro afro-americano estabelecido em 1821 por William Henry Brown ISBN 0521465850

Teatro asiático

Mani Damodara Chakyar como Rei Udayana em Bhasa ‘sSwapnavasavadattam Koodiyattamúnica – O sobreviver antigo teatro sânscrito .

Teatro indiano 

Visão geral do teatro indiano

A forma mais antiga de teatro indiano foi o teatro sânscrito . ^[95] Surgiu em algum momento entre o século II aC eo século I e floresceu entre o século I e 10, que foi um período de relativa paz na história da Índia, durante o qual centenas de peças foram escritas. ^[96] Com as conquistas islâmicas que começaram nos séculos 10 e 11, o teatro foi desencorajado ou proibido inteiramente.^[97] Mais tarde, em uma tentativa de reafirmar valores e idéias indianas, o teatro de aldeia foi incentivado em todo o subcontinente, desenvolvendo-se em um grande número de línguas regionais dos séculos XV ao século XIX. ^[98] O teatro indiano moderno se desenvolveu durante o período do domínio colonial sob o Império Britânico , desde meados do século XIX até meados do século XX. ^[99]

Teatro sânscrito 

Os primeiros fragmentos sobreviventes do drama sânscrito datam do século I. ^[100] A riqueza de evidências arqueológicas de períodos anteriores não oferece nenhuma indicação da existência de uma tradição de teatro. ^[101] Os antigos Vedas ( hinos de 1500 a 1000 aC que estão entre os primeiros exemplos de literatura do mundo) não contêm nenhuma sugestão dele (embora um pequeno número seja composto em uma forma de diálogo ) e os rituais do Védico Período não parecem ter se desenvolvido em teatro. ^[101] O Mahābhāṣya de Patañjali contém a mais antiga referência ao que pode ter sido as sementes do drama sânscrito. ^[102] Este tratado sobre a gramática de 140 aC fornece uma data viável para os começos de teatro na Índia . ^[102]

A principal fonte de evidência para o teatro sânscrito é A Treatise on Theatre ( Nātyaśāstra ), um compêndio cuja data de composição é incerto (estimativas variam de 200 aC a 200 dC) e cuja autoria é atribuída a Bharata Muni . O Tratado é o trabalho mais completo de dramaturgia no mundo antigo. Ele aborda agindo , dança , música, construção dramática , arquitetura , figurino , maquiagem , adereços , a organização das empresas, o público, competições, e oferece uma mitológica conta da origem do teatro. ^[102] Ao fazer isso, fornece indicações sobre a natureza das práticas teatrais reais. O teatro sânscrito foi realizado em terreno sagrado por sacerdotes que tinham sido treinados nas habilidades necessárias (dança, música e recitação) em um processo hereditário. Seu objetivo era educar e entreter.

Sob o patrocínio das cortes reais, os executores pertenceram às companhias profissionais que foram dirigidas por um gerente de fase ( sutradhara ), que podeigualmente ter agido. ^[103] Esta tarefa foi pensada como sendo análoga à de um titiritero – o significado literal de ” sutradhara ” é “detentor das cordas ou fios”. ^[102] Os artistas foram treinados rigorosamente na técnica vocal e física. ^[104] Não houve proibições contra artistas femininas; As empresas eram todas – do sexo masculino, feminino e de gênero misto. Certos sentimentos eram considerados inadequados para que os homens decretasse, entretanto, e foram pensados ​​mais adequados às mulheres. Alguns artistas interpretavam personagens de sua própria idade, enquanto outros tocavam aqueles que eram diferentes dos seus (jovens ou mais velhos). De todos os elementos do teatro, o Tratado dá mais atenção à ação (abhinaya), que consiste em dois estilos: realista ( lokadharmi ) e convencional (natyadharmi ), embora o foco principal seja o último. ^[105]

Seu drama é considerado o maior feito da literatura sânscrita . ^[106] Utilizou personagens em estoque , como o herói (nayaka ), heroína (nayika ), ou palhaço (vidusaka). Atores podem ter se especializado em um tipo particular. Kālidāsa no século 1 aC, é indiscutivelmente considerado antiga Índia maior dramaturgo sânscrito ‘s. Três peças românticas famosas escritas por Kālidāsa são o Mālavikāgnimitram (Mālavikā e Agnimitra ), Vikramuurvashiiya (Pertencente a Vikrama e Urvashi) eAbhijñānaśākuntala (Reconhecimento de Shakuntala ). O último foi inspirado por uma história no Mahabharata e é o mais famoso. Foi o primeiro a ser traduzido para oinglês e para o alemão . Śakuntalā (em tradução inglesa) influenciou o Fausto de Goethe (1808-1832). ^[106]

O próximo grande dramaturgo indiano foi Bhavabhuti (século VII). Diz-se que ele escreveu as três peças seguintes : Malati-Madhava , Mahaviracharita e Uttar Ramacharita . Entre estes três, os dois últimos cobrem entre eles o épico inteiro de Ramayana . O poderoso imperador indiano Harsha (606-648) é creditado com ter escrito três peças: a comédia Ratnavali , Priyadarsika , eo drama budista Nagananda .

Teatro indiano 

Kathakali 

Kathakali é uma dança indiana clássica altamente estilizada – drama notável para a composição atrativa dos caráteres, os trajes elaborados, os gestos detalhados, e os movimentos do corpo bem-definidos apresentados em sintonia com a música da música da escora e a percussão complementar. Originou-se no estado atual do Kerala do país durante o século XVII ^[107] e desenvolveu-se sobre os anos com olhares melhorados, gestos refinados e temas adicionados além do canto mais ornamentado e do drumming preciso.

Teatro indiano moderno

Rabindranath Tagore foi um dramaturgo moderno pioneiro que escreveu peças notáveis ​​pela sua exploração e questionamento do nacionalismo, identidade, espiritualismo e ganância material. ^[108] Suas peças são escritos em Bengali e incluem Chitra ( Chitrangada , 1892), O Rei da Câmara escuro ( Raja de 1910), The Post Office ( Dakghar , 1913), e Red Oleander ( Raktakarabi , 1924). ^[108]

Teatro chinês 

Artigo principal: Teatro de China

Shang teatro 

Há referências a entretenimentos teatrais na China já em 1500 aC durante a Dinastia Shang ; Eles muitas vezes envolvidos música, clowning e exibições acrobáticas.

Han e teatro de Tang 

Durante a Dinastia Han, os títeres de sombra surgiram pela primeira vez como uma forma reconhecida de teatro na China. Havia duas formas distintas de marionetas de sombra, Cantonês do sul e Pequinês do norte. Os dois estilos foram diferenciados pelo método de fazer os fantoches eo posicionamento das varetas nos fantoches, ao contrário do tipo de jogo executado pelos fantoches. Ambos os estilos geralmente executavam peças representando grande aventura e fantasia, raramente era esta forma muito estilizada de teatro usado para propaganda política. Os fantoches de sombra cantonenses eram os maiores. Foram construídos usando o couro grosso que criou sombras mais substanciais. A cor simbólica era também muito prevalente; Um rosto negro representava a honestidade, uma coragem vermelha. As hastes usadas para controlar fantoches cantonenses estavam presas perpendicularmente às cabeças dos fantoches. Assim, eles não foram vistos pelo público quando a sombra foi criada. Os fantoches de Pekingese eram mais delicados e menores. Eles foram criados em couro fino e translúcido, geralmente tirado da barriga de um jumento. Eles foram pintados com tintas vibrantes, assim eles lançaram uma sombra muito colorida. As hastes finas que controlavam seus movimentos estavam presas a um colar de couro no pescoço da marionete. As hastes funcionaram paralelas aos corpos do fantoche girado então em um ângulo de noventa graus para conetar ao pescoço.Enquanto essas hastes eram visíveis quando a sombra foi lançada, eles se colocaram fora da sombra do fantoche; Assim não interferiram com o aparecimento da figura.As hastes unidas nos pescoços para facilitar o uso de várias cabeças com um corpo. Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas eram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças eram sempre removidas à noite. Isso estava de acordo com a velha superstição que, se deixada intacta, os fantoches viriam à vida à noite. Alguns titiriteros chegaram a armazenar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar fantoches. Shadow puppetry é dito ter atingido o seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século 11 antes de se tornar uma ferramenta do governo.

A Dinastia Tang é às vezes conhecida como “A Era de 1000 Entertainments”. Durante esta época, o Imperador Xuanzong formou uma escola de atuação conhecidacomo Children of the Pear Garden para produzir uma forma de drama que era principalmente musical.

Canção e teatro de Yuan 

Na dinastia Song , havia muitos jogos populares envolvendo acrobacias e música . Estes desenvolvidos na dinastia Yuan em uma forma mais sofisticada, com uma estrutura de quatro ou cinco atos.

O drama de Yuan espalhou através de China e diversificado em formas regionais numerosas, a mais melhor sabida de que é a ópera de Beijing, que é ainda popular hoje.

Teatro filipino 

Durante o reinado de 333 anos do governo espanhol, eles introduziram nas ilhas a religião católica e o modo de vida espanhol, que gradualmente se fundiram com a cultura indígena para formar a “cultura folclórica das planícies” agora compartilhada pelos principais grupos etnolinguísticos. Hoje, as formas dramáticas introduzidas ou influenciadas pela Espanha continuam a viver em áreas rurais em todo o arquipélago. Essas formas incluem o komedya, os playlets, o sinakulo, o sarswela eo drama. Nos últimos anos, algumas dessas formas foram revitalizadas para torná-las mais sensíveis às condições e necessidades de uma nação em desenvolvimento.

Teatro tailandês 

Na Tailândia , tem sido uma tradição desde a Idade Média para encenar peças baseadas em terrenos retirados de épicos indianos. Em particular, a versão teatral do épico nacional da Tailândia Ramakien , uma versão do Ramayana indiano , continua a ser popular na Tailândia ainda hoje.

Khmer e teatro malaio 

No Camboja, na antiga capital Angkor Wat, histórias dos épicos indianos Ramayana e Mahabharata foram esculpidas nas paredes de templos e palácios. Relevos semelhantes são encontrados em Borobudur na Indonésia .

Teatro japonês 

Noh 

Durante o século XIV, havia pequenas empresas de atores no Japão que realizavam pequenas e às vezes vulgares comédias. Um diretor de uma dessas empresas, Kan’ami (1333-1384), teve um filho, Zeami Motokiyo (1363-1443), que foi considerado um dos melhores atores infantil no Japão. Quando a companhia de Kan’ami se apresentou para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), o Shogun do Japão, ele implorou Zeami para ter uma educação de corte para suas artes. Depois de Zeami sucedeu seu pai, ele continuou a executar e adaptar o seu estilo no que é hoje Noh . Uma mistura de pantomima e acrobacia vocal, este estilo tem fascinado os japoneses por centenas de anos.

Bunraku 

O Japão, após um longo período de guerras civis e desordem política, foi unificado e em paz principalmente devido ao xogu Tokugawa Ieyasu (1543-1616). No entanto, alarmado com o aumento do crescimento cristão, ele cortou o contato do Japão com a Europa ea China e baniu o cristianismo. Quando a paz chegou, um florescimento de influência cultural e crescente classe mercante exigiu seu próprio entretenimento. A primeira forma de teatro para florescer era Ningyō jōruri (vulgarmente conhecido como Bunraku ). O fundador e principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), transformou sua forma de teatro em uma verdadeira forma de arte. Ningyō jōruri é uma forma altamente estilizada de teatro usando bonecos, hoje cerca de 1 / 3d do tamanho de um ser humano. Os homens que controlam os bonecos treinar suas vidas inteiras para se tornar mestres titiriteros, quando eles podem então operar a cabeça do fantoche e braço direito e escolher mostrar seus rostos durante a performance. Os outros titiriteros, controlando os membros menos importantes do boneco, cobrem-se e seus rostos em um terno preto, para implicar sua invisibilidade. O diálogo é tratado por uma única pessoa, que usa tons variados de voz e modos de falar para simular diferentes personagens. Chikamatsu escreveu milhares de peças durante sua vida, a maioria das quais ainda são usadas hoje. Eles usavam máscaras em vez de maquiagem elaborada. Máscaras definir o seu sexo, personalidade e humores o ator está dentro.

Kabuki 

Kabuki começou logo após Bunraku, a legenda tem-no por uma actriz nomeada Okuni, que viveu ao redor do fim do século XVI. A maioria do material de Kabuki veio de Nõ e de Bunraku, e seus movimentos erráticos da dança-tipo são também um efeito de Bunraku. No entanto, Kabuki é menos formal e mais distante do que Nõ, mas muito popular entre o público japonês. Os atores são treinados em muitas coisas variadas, incluindo dança, canto, pantomima e até acrobacias. Kabuki foi executado primeiramente por meninas, então por meninos novos, e por o fim do século XVI, as companhias de Kabuki consistiram de todos os homens. Os homens que retratavam as mulheres no palco foram treinados especificamente para provocar a essência de uma mulher em seus movimentos sutis e gestos.

Butoh 

Gyohei Zaitsu realizando Butoh

Butoh é o nome coletivo para uma gama diversificada de atividades, técnicas e motivações para a dança , desempenho oumovimento inspirado pelo movimento Ankoku-Butoh ( 暗 黒舞 踏ankoku butō ^? ) . Ela geralmente envolve imagens lúdicas e grotescas, tópicos tabu, ambientes extremos ou absurdos, e é tradicionalmente realizada na composição do corpo branco com lento movimento hiper-controlado, com ou sem audiência. Não há um estilo definido, e pode ser puramente conceitual sem nenhum movimento. Suas origens foram atribuídas a lendas japonesas da dança Tatsumi Hijikata e Kazuo Ohno . Butoh apareceu primeiro no Japão após a Segunda Guerra Mundial e especificamente depois de tumultos estudantis . Os papéis deautoridade estavam agora sujeitos a desafio e subversão. Ele também apareceu como uma reação contra a cena da dança contemporânea no Japão, que Hijikata sentia se baseava, por um lado, em imitar o Ocidente e, por outro lado, em imitar o Noh .Ele criticou o estado atual da dança como excessivamente superficial.

Teatro persa 

Teatro islâmico medieval

As formas mais populares de teatro no mundo islâmico medieval foram teatro de bonecos (que incluiu fantoches , teatro de sombras e marionetes produções) e ao vivojogos de paixão conhecidos como ta’ziya , em que os atores reencenar episódios da história muçulmana . Em particular, os jogos islâmicos xiitas giravam em torno doshaheed (martírio) dos filhos de Ali , Hasan ibn Ali e Husayn ibn Ali . As peças seculares conhecidas como akhraja foram registradas na literatura adab medieval , embora fossem menos comuns do que o teatro de marionetas e ta’ziya . ^[109]

Referências 

Fontes [ editar ]